October 24, 2022

圖片來源 : 國美館

什麼是完美?

攝影師時常在追求最好的timing，在所有條件都符合心中所想的時候，立馬按下快門捕捉瞬間，我們該如何去定義最完美的畫面呢? 差異就在每位攝影師「心中的條件」，從奧拉夫的展覽可以感受到他對於畫面的錙銖必較，場景的精心布置、顏色運用的搭配、人物的妝髮與服裝、畫面結構的挑剔、燈光營造出來的乾淨俐落，整體的細緻營造出非常美的畫面，但卻給我一種華麗外表下所包裹的冷漠、不真實、少了人味的感受，相較於石內都作品有溫度的樸實，令我重新思考影像，重新去看待我對於拍攝的Moment，探究攝影的本質。

S引經據典

一入展間，映入眼簾的是帶有橘紅色的暖色系牆面，是非常吸引人且另人討喜的，像是來到一個新世界，心裡會有一個很即時的轉換，引領你走向看展的心情，看完一圈後我思考著，畫與影像之間，早期是用畫，現代是用影像呈現，感受與語意上有何不同？

個人覺得整體來說，奧拉夫運用影像致敬大師，比較偏向形式上的運用以及人們生活狀態的轉變，因倆倆畫面之間，大多數都是模特兒姿勢上的雷同、結構上的相近，奧拉夫影像的相框與畫面很吸引人，卻少了一點後續的餘韻，如果沒有將作品擺放在一起，單看奧拉夫的影像，可能很難聯想到他是致敬哪一幅作品。

沒有餘韻的感覺，我想是因為少了有溫度與共感的內容，像是下方作品，右方畫作捨棄背景細節，讓視覺著重在女子穿襪優雅的狀態，再透過周邊的小物件去襯托氛圍，而左邊女子在現代空間裡卻顯得了無生氣，可是空間中的物件只是美美的存在，少了更深一層的語意，無法有更多的聯想。

這展間中，我最喜歡的是進入展間左方花的作品，早期透過畫作來呈現花最美艷動人的那一刻，奧拉夫用黑白畫面的數位影片呈現出花凋落的狀態，這樣的反差，像是暗喻整個展場想表達的內容。

看完後，比起致敬，我更覺得像是一種過去與現在的對照，讓我思考著現代的我們進步了，卻好像沒有比較快樂，人類面臨的情境不同，卻依舊產生一樣的問題。

1情境時刻

三張攝影師本人從年輕到老的自拍照，面對著整個展間，前方是一間告解室，另一間灰色的立方體像是另一個時空的存在，四周白牆上的作品將冷漠的表現表達到了極致。

雨(2004)

畫面中都有兩個人，他們沒有互動甚至沒有對視，在冰淇淋店、在舞蹈教室、在球場、在理髮廳，都是冷冰冰的站著，用冷漠的表情在一般視為歡樂的場景中，空氣瞬間凍結，內心如雨滴般的在哭泣，一切黯淡無光，突顯人與人之間沒有交流的孤獨感。

希望(2005)

比起雨系列，場景更加昏暗，色調偏暗色系、光線也較暗，男女之間在飯店空間卻沒有交集、奶奶等不到的電話、少女厭世的狀態看似不想要有小孩的存在，在人生的教室裡，就像是少女背對著有數學符號的黑板，一切背離了邏輯，了無生氣、沒有希望，其實應該是反應作者內在深沉的渴求，希望有愛情、有聯繫、世界能有所轉動。

悲傷(2007)

該系列透過大面的窗戶，運用窗簾製造出明亮與柔和的場景，整個場景比前兩個系列更加現代，人物從兩人變為一個人，並且有較多情緒性的姿勢或是面對窗外，大多看到人物的背影與側面，儘管感到悲傷難過，但情緒感覺比較外顯，不會像另外兩個系列那麼沉重、壓抑，人物面對明亮的窗外，感覺多了一絲希望。

鑰匙孔(2012)

一開始看到鑰匙孔(2012)會想到宗教的告解室，就像是每個心靈受傷的人，都希望能夠有地方表現出自己真實的想法與情感，以取得慰藉，但當我在觀看鑰匙孔(2012)時，讓我有一種窺探的感受，像是諷刺人們只想看穿別人不為人知的傷疤，選擇自己想看見的，卻忘了選擇關心。

愚人節(2020)

對我來說他是存在於此間的異樣空間，但比起其他作品，他可能更顯得真實，影像中塑造一種反差，旁邊的作品所建立的場景都是非常精緻的、是富饒的，可是愚人節系列營造出一種末日感，畫面中在那個空間需要存在的物體，卻沒有那個物體的存在，超市裡空無一物、像是東西被搶光，家中沒有傢具、廣大的停車場卻沒有車，場景沒有任何人的存在，留下看似不是一般人的人，對比其他作品在富饒中的冷漠與此間缺乏中的抑鬱，顯得格外諷刺。

2城市空間

此間為作者至柏林(2012)、上海(2017)、棕櫚泉(2018)三個地方做拍攝，表現出在地的特色，這區域會讓我聯想到物質慾望、權利、歧視、種族、霸凌、環境、競爭、操弄等議題，其實人無非要的很簡單，就是對於愛、關心、溫暖的渴望，就像中間兩排螢幕裡的女性表達的訴求。

對我來說，我比較喜歡棕櫚泉(2018)系列，主要有三點

1. 影像中有戶外的情境，有天空、山景、夕陽的氛圍，給人一點點呼吸到空氣的感覺，不像其他作品都是室內精緻的光線，顯得很生硬。
2. 雖然整體內容是負面的，但作品較另外兩個系列明亮。
3. 影像排列上的語意比較有感覺，在入口處有美國的旗織掛在植物上，像是說明美國人佔據了這個地方，再來是擺在辦公室的植物跟對牆乾枯的土地形成一種對比。

3經典圖像

最後一個展間，全部作品以黑白的方式作呈現，人物的照片比起前面更顯得單純，地的呈現變少，提升了內聚力，表現出多元特殊的民族，這些人眼睛直視鏡頭，卻又躲藏在葉子後方，唯獨攝影師自拍照閉上雙眼，比起前面展間的作品更具力量，觸發我心想我們到底看見了什麼？我們真的看見了嗎？

其他大幅的作品都是在大自然中所拍攝的，畫面中沒有整齊劃一的結構，雲霧之間多了些朦朧與神祕感，在黑白影調中有漸進的層次感，大自然的視野讓人更加的開闊，顯得人類的渺小，在大自然面前，人是赤裸並流露出真實的，尤其是瀑布那幅作品，表現出瀑布的激情、宏偉、壯觀，像是閉上眼都可以聽到巨大的水流聲，霧氣噴在臉上的感受。

在此間，感受到作者心境上的轉變，作品中少了邊邊角角，相較其他間作品多了模糊，不再讓畫面顯露出全部的細節，多了讓人想駐足品味作品的感覺，不過還是有讓我感到憂鬱的感覺在裡面，少數民族在大自然裡，還是拿著昂貴的包包、穿著隔離衣物、手機、耳機等現代的物品，人們擁有了物質卻失去感受的能力，使我感到淡淡的憂傷。

奧拉夫的特色

可以看到Olaf很擅長場景擺設、空間排列整齊、構圖沒有歪斜、色塊分明、顏色多元但是又搭配的非常協調，作品中的人大多都是面壁、冷漠、無情感、不看鏡頭。整體著重在燈光與布置上，會感覺形式的部分比較重，而畫面中一覽無遺的呈現，少了明暗之間的氛圍與構圖的視覺動力。從藝術家的角度去構思，畫面呈現可以多一些虛的部分，營造更多的想像空間，而不是著重在具象上，會讓內容更有深度。

石內都台北展與Erwin Olaf 國美展

• 影像的內容 : 石內都其中一間展間，都是跟人有關的物品，卻不會因為這樣而感受不到人的存在，而奧拉夫的作品裡什麼都有，所有細節顯露無遺，非常真”實”，卻少了人味，奧拉夫像是創造了另一個世界，與我們生活的世界看似相同，但其實真實的世界裡有明暗上的變化，而物體的存在都是有意義的，而他作品中的物體像是擺飾物，只是為了畫面的美感而存在，這樣的完美讓人感到虛假。

• 作品的擺設 : 石內都在作品的排列上有高低落差、作品的尺寸也有大小比例之分，也可以感受到在相框的運用，讓作品之間有所對話與呼應，但是Olaf的作品都是整齊的排列，並沒有尺寸比例的區別，儘管在影像中的視覺裡有所呼應，卻沒有讓我提起太多的情緒。

• 展間之間 : 石內都的作品，儘管只有兩個展間，而且畫面非常的不同，但因為影像中有明顯的女性特徵，所以可以讓我聯想在一起，並在”虛”的力量中帶給我很多想像，而想串聯成故事，而Olaf的作品很明顯感受到是不同場景的分類，展間之間沒有感受到太大的關連性，以及促成故事、內容上的聯想，只有在每一間中都有呈現出「冷漠」、「抑鬱」的影像特色，使整個展覽貫穿主軸。

結論 – 攝影的本質

整個展覽給我的感受是負面的、無感的，雖然沒有深刻的感動，還是有帶來反思，我覺得此展像是奧拉夫藉由攝影這條道路上，探索自己的歷程，他看似一個旁觀者，透過攝影呈現出他看到的世界，其實他也是身陷在其中的人，我們都不自覺會因為外在環境影響，而追求完美，俗不知我們時常忽視了內心的狀態，當人面對更寬廣的世界後，才知道我們心中小我的執念有多深。

看了奧拉夫的作品，我更深刻領悟到「攝影的本質」是曖昧、是弔詭，我在想就是因為影像中帶有不完美部分，才能使人接收到畫面中的訊息，不過與其在完美與不完美之間比較，應該更適合的表達方式是從視覺心理學的角度，去看待影像本身，在畫面中有虛有實，反而會讓人多了一絲思考與好奇，一切都看透就沒意思了。

這使我期許自己的作品能夠讓人感受到美，並能夠刻骨銘心，而不會只是曇花一現。